RESULTADO DE LA PRIMERA SESIÓN - Descripción de la obra "Descuartizar un cuerpo" de Colita

Isabel Steva Hernández, más conocida como Colita, es una fotógrafa catalana nacida en Barcelona en 1940. Durante el tardofranquismo y la transición, documentó la realidad de su ciudad natal reflejando los cambios sociales y culturales que se estaban produciendo en ella. Su especialidad es la fotografía en blanco y negro a través de una mirada feminista y muchas veces irónica.

Esta imagen forma parte de un libro titulado Antifémina publicado en 1977. Es un trabajo conjunto realizado por Colita y la escritora Mª Aurelia Campmany, en el que los textos y las fotografías se complementan. La finalidad de esta publicación era mostrar la vida de las mujeres de esa época desde diferentes enfoques.

La obra se titula El Paralelo. Descuartizar un cuerpo. Se conserva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. Es una copia realizada en 2011 de un original del año 1975. La fotografía es en blanco y negro, de formato rectangular y mide 17,7 cm de alto por 27,4 cm de ancho, un poco más pequeña que un folio colocado de forma horizontal. 

Colita fotografía a dos mujeres mayores en la calle, delante de un soportal, con un cartel a su espalda en el que aparece una mujer más joven en ropa interior.

Estas dos mujeres ocupan el tercio inferior derecho de la foto. Están de pie, una junto a otra, de frente al espectador. Llevan el pelo ondulado peinado hacia atrás y falda por debajo de las rodillas. No les vemos los pies, al quedar estos cortados por el borde inferior de la fotografía.

La mujer que está más a la izquierda tiene puesto un chaquetón oscuro y mira hacia la cámara. Apoya su mano derecha en la barbilla, en actitud pensativa, y con la otra sostiene un bolso y un paquete. La segunda mujer lleva un chaquetón más claro y dirige su mirada hacia nuestra izquierda. Tiene las dos manos juntas, a la altura del ombligo, y sujeta con ellas una bolsa de la compra y un paraguas cerrado. Su boca está entreabierta y parece estar conversando con su compañera, aunque no se estén mirando.

En la imagen distinguimos dos planos bien definidos: la calle y el soportal del fondo, separados en altura por un escalón de piedra, deteriorado por el paso del tiempo, que recorre la foto horizontalmente. En el plano de la calle están situadas las dos mujeres, así como dos columnas clásicas cortadas que enmarcan la escena a derecha e izquierda. Este primer plano está iluminado con una luz más intensa. El segundo plano es el interior del soportal, bastante más oscuro. En la parte izquierda del mismo, perpendicular a la pared de fondo, vemos una puerta sencilla de madera con una placa que pone “entrada”.

Justo detrás de las dos señoras, en la pared del soportal, hay un cartel pintado que representa el cuerpo de una mujer de pie, colocada de perfil, mirando hacia la izquierda. Su imagen ocupa todo el muro, de arriba abajo. Está vestida con unas bragas negras y un top liviano rematado con flecos en la cintura. Tiene su pierna izquierda levantada, con el pie sobre una maleta, calzado con una sandalia de tacón. Apoya una mano en la rodilla y el otro brazo lo tiene doblado hacia arriba. Su cabeza y sus hombros no los vemos, quedan cortados por el borde superior de la foto.

La imagen está enfocada en sus dos planos. Da la sensación de que es un día nublado porque la luz es difusa, no es el tipo de luz dura de un día despejado. Podría compararse con el efecto que sentimos en la piel cuando nos da el sol directo en oposición al calor más suave de cuando está filtrado por las nubes.

Al observar la imagen, podemos imaginar los sonidos típicos de una calle transitada y el bisbiseo de las mujeres al hablar. Quizás la artista les ha avisado de que va a hacerles una foto y una de ellas murmura “¡ay qué vergüenza!” mientras la otra le dice “¡estate quieta!”.

Lo que más nos ha llamado la atención de la obra es el cambio generacional, el contraste entre dos mujeres mayores muy tapadas y un cuerpo joven semidesnudo. También nos ha chocado la forma en la que la artista ha decidido utilizar el encuadre para cortar partes de la anatomía de las tres figuras.

Enlace a la imagen de la obra descrita: https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/paralelo-descuartizar-cuerpo

RESULTADO DE LA SEGUNDA SESIÓN - Descripción de la obra "Tiovivo en la feria" de Olga Sacharoff

Olga Sacharoff fue una pintora de origen ruso nacida en Georgia en 1881. Formó parte de la Escuela de París, ciudad en la que desarrolló la primera mitad de su carrera artística. En 1940 se trasladó a Barcelona, huyendo de la Segunda Guerra Mundial, donde continuó viviendo hasta su muerte en 1967.

Sus obras se enmarcan dentro del estilo naíf o primitivista, con escenas detalladas, de contornos bien definidos, y unos personajes muy característicos, de expresión hierática y con ojos vacíos.

Este cuadro se titula Tiovivo en la feria. Se conserva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y fue pintado en torno a 1934. Es un óleo sobre lienzo rectangular, de formato vertical, que mide 160 cm de alto por 130 cm de ancho.

Representa un día de feria en un parque abarrotado de gente. En primer término, se ve un grupo de figuras junto a un carrusel y a otras personas haciendo cola detrás. Al fondo, hay varios árboles, unas carpas y una masa informe de cabezas con sombrero que se pierde en la lejanía.

Los colores son fríos y apagados, con predominio de grises, blancos, negros y azules. Incluso los tonos cálidos, marrones y naranjas, presentan una pátina grisácea que nos recuerda a la luz de los días nublados.

Los hombres visten traje de chaqueta oscuro, con pajarita y bombín. Las mujeres llevan sombrero y falda por el tobillo. Todas las figuras calzan botines negros con un poco de tacón y varias llevan estampados de lunares, algo muy típico de la pintura de Sacharoff. Los rostros son de tez pálida y sonríen con la boca cerrada. Sus ojos son pequeños, de forma almendrada, y están pintados de negro en su totalidad, como si las cuencas estuviesen vacías. Tienen un aire rígido e impersonal.

La parte derecha del cuadro la ocupa el tiovivo del título, del que solo vemos la mitad, ya que queda cortado longitudinalmente por el borde lateral del lienzo. Está cubierto por un toldo de color azul de bordes ondulados. Sobre una plataforma redonda de tablones de madera giran los animales del carrusel. Sus caras son más expresivas que los de los humanos. Nos miran con ojos grandes y desorbitados, en los que está pintada la pupila, y sonríen de forma histriónica enseñando los dientes. Tienen las patas delanteras y traseras dobladas hacia atrás, como si estuvieran corriendo.

En primer lugar, distinguimos los cuartos traseros de un cerdo de piel rosada que está saliendo del lienzo por la derecha. A continuación un caballo gris con lunares blanquecinos, al que vemos de frente, montado por un hombre que mira feliz hacia nosotros. Detrás va una mujer con vestido gris y un moño alto. Tiene una expresión placentera, con los ojos entrecerrados y los pómulos elevados, y va sentada de lado en una vaca de color marrón. Detrás de ella atisbamos el ojo de un cuarto animal de orejas largas y puntiagudas.

A la izquierda del carrusel, en la parte superior del lienzo, hay un pequeño mostrador con las palabras “nuevo circo” rotuladas en francés. Está atendido por un payaso que parece triste o aburrido, vestido con un traje azul de lunares claros y una gola blanca. Tiene la cara pintada de blanco y está acodado en el mostrador, un poco inclinado hacia delante, con las manos apoyadas en las mejillas y la mirada perdida. Detrás de él, espalda contra espalda, vemos a otro payaso vestido de rosa que atiende a la gente que está haciendo cola al fondo.

En torno al mostrador, más abajo y en primer término, hay un grupo de personas que parecen estar esperando su turno para subir al carrusel. A la izquierda, vemos a una mujer que sujeta por los hombros a una niña, ambas de perfil mirando hacia la derecha. A continuación, una niña más alta vuelta de espaldas, con el pelo largo y ondulado y un gran lazo en la cintura, y después un hombre de perfil, que da la espalda al tiovivo y gira la cabeza hacia el espectador, apoyando su mano izquierda en el hombro de la niña con un gesto protector.

Una de las figuras más llamativas del cuadro es el niño que está de pie en la esquina inferior izquierda, justo delante de estos cuatro personajes. Lleva puesto un bombín, un pantalón corto negro y medias y camiseta de color blanco, cuyas mangas le quedan un poco cortas. Es como un adulto en miniatura y sonríe maliciosamente, como si estuviese tramando algo. Observa con atención a un perrito blanco que parece haberse caído del carrusel y que está patas arriba en el suelo, con el lomo curvado, la cola entre las patas y el hocico abierto, como si estuviera aullando.

Aunque es una escena de feria, la imagen es bastante estática, puesto que predominan las líneas rectas y verticales.

Nos sugiere un aroma campestre, de tierra árida y muy pisada.

El hecho de que no se vea el cielo contribuye a crear una atmósfera agobiante y claustrofóbica, una sensación de estar apretado entre toda esa gente, sin espacio para moverse. A pesar de ello, es una obra silenciosa, en la que no se escucha mucho barullo, porque los personajes tienen las bocas cerradas y apenas interactúan entre ellos, ni siquiera con la mirada. Las únicas miradas que se cruzan son las que dirigen algunos personajes al espectador y que nosotros les devolvemos desde fuera del cuadro.

En general, la obra nos transmite un efecto inquietante y perturbador. Lo único que oímos es la musiquita del tiovivo, que nos suena triste y desafinada.

Enlace a la imagen de la obra descrita: https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/tiovivo-feria

RESULTADO DE LA TERCERA SESIÓN - Descripción de la obra "Vestidos simultáneos" de Sonia Delaunay

Sonia Delaunay fue una artista ucraniana, nacida en 1885 y fallecida en 1979, que desarrolló la mayor parte de su carrera en París. Es cofundadora del Simultaneísmo, un movimiento artístico que utilizaba los contrastes de formas y colores para crear composiciones que apelasen a los sentidos y las emociones. Estas teorías no las aplicaba solo a la pintura, sino también al diseño de moda y tejidos, a la creación de escenografías y a la decoración de interiores.

Este cuadro, pintado en 1925, se titula Vestidos simultáneos. Tres mujeres, formas, colores. Se conserva en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid y es un óleo sobre lienzo rectangular, de formato vertical, que mide 146 cm de alto por 114 cm de ancho.

Es una obra figurativa, pero muy esquemática, construida en su totalidad a partir de formas geométricas de colores vivos: triángulos, rectángulos, cuadrados y trapecios. Apenas tiene curvas, casi todo son líneas rectas y ángulos definidos. Los colores son planos, sin sombreado que haga intuir volumen.

La mayor parte del lienzo está ocupada por un grupo de tres figuras con forma humana que por, el título del cuadro y los vestidos que llevan, interpretamos que son mujeres. Están las tres juntas, de pie, colocadas hombro contra hombro, y no del todo centradas, sino un poco desplazadas hacia la izquierda del cuadro. Sus cuerpos son siluetas pintadas en color carne, sin rasgos faciales, pelo, manos o pies, por lo que no podemos saber si están de frente o de espaldas al espectador.

La mujer del centro está totalmente recta y su cuerpo se superpone al de las otras dos. Las mujeres de los extremos, situadas un paso más hacia el fondo, inclinan sus troncos y sus cabezas ligeramente hacia afuera. Los colores de piel de las tres figuras son diferentes: rosa anaranjado la de la izquierda, marrón claro la del centro, con la cabeza más clara que las piernas, y rosa pálido la de la derecha.

Sus cabezas son simples óvalos. Las seis piernas son rectángulos alargados que se cortan en línea recta a la altura del tobillo y que nos recuerdan a la forma de los palitos de los polos. Los brazos son similares, pero se curvan un poco hacia afuera y rematan en punta. Solo vemos los dos brazos de fuera de las figuras de los extremos.

Las tres mujeres llevan vestidos con falda hasta media pierna. El vestido de la mujer de la izquierda es suelto y sin mangas, con un estampado en filas alternas de triángulos blancos apuntando hacia arriba y azules apuntando hacia abajo. La mujer de la derecha lleva un vestido negro, también sin mangas, con tres volantes en la falda y un cinturón de color gris. El vestido de la mujer del centro tiene un diseño intrincado de formas rectangulares concéntricas en tonos terrosos: rojos, marrones y ocres.

Se conserva un abrigo diseñado por Sonia Delaunay para la actriz Gloria Swanson que está tejido en lana con estos mismos colores y con un dibujo en la espalda casi igual al que vemos en el cuadro. Esto nos podría llevar a pensar que la figura del centro está de espaldas y por eso no le vemos los brazos.

A primera vista no percibimos claroscuros y las figuras tampoco proyectan sombras, pero si nos fijamos con atención podemos captar sutiles cambios de tono en algunas formas que podrían indicar que la escena está iluminada desde la derecha.

Aunque las figuras de las mujeres son muy planas, las formas geométricas que las rodean sugieren un espacio tridimensional, por la colocación de algunas líneas diagonales que parecen insinuar una cierta perspectiva. Mientras que unas personas interpretan este entorno como el interior de una tienda, otras ven la calle de una ciudad cosmopolita.

Detrás de las mujeres hay tres paneles verticales de forma rectangular colocados en zigzag. El panel de la izquierda es de color gris liso, el del centro es un damero de cuadrados blancos y grises, y el de la derecha es un damero de rectángulos negros y verdosos. Podría ser un biombo de tres hojas, o bien unos edificios, ya que justo encima del panel central se ve un plano azul claro del color del cielo.

Las figuras están de pie sobre una superficie gris rectangular vista en perspectiva, con un borde rojo intenso, que podemos interpretar como una alfombra o como el asfalto de una acera.

En función de cómo entendamos este espacio, podríamos estar viendo a tres mujeres paseando por la calle, probándose vestidos delante de un biombo o quizás a tres maniquíes en un escaparate.

Desde el punto de vista sensorial y echándole imaginación, el cuadro nos evoca un olor a limpio y a colonia cara, los sonidos de la calle, la música ambiente de una tienda, el murmullo de las mujeres conversando, el tacto de los vestidos, telas suaves y tejidos rústicos, unos ligeros y otros más cálidos.

Enlace a la imagen de la obra descrita: https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/delaunay-sonia/vestidos-simultaneos-tres-mujeres-formas-colores

RESULTADO DE LA CUARTA SESIÓN - Descripción de la obra "El bosque" de Natalia Goncharova

Este cuadro, pintado en 1913, se titula El bosque. Se conserva en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid y es un óleo sobre lienzo rectangular, de formato vertical, que mide 130 cm de alto por 97 cm de ancho.

Su autora es Natalia Goncharova, una artista rusa que vivió entre 1881 y 1962. Junto a su pareja Mijáil Larionov, desarrolló un movimiento pictórico llamado Rayonismo, que pretendía plasmar el modo en que se perciben visualmente los objetos mediante los rayos de luz que inciden y se reflejan en la superficie de los mismos.

Para representar estos rayos de luz, Goncharova crea un entramado de trazos o pinceladas rectas, de colores variados, que se entrecruzan en diferentes direcciones, cubriendo toda la superficie del lienzo. El dibujo de estos rayos diagonales recuerda a las arrugas de una sábana, a haces de paja, a formas que se abren en abanico, como las hojas de las palmeras o de los aloes, o incluso a los pinchos de los cardos.

Estamos ante una pintura casi abstracta, de tonos verdes, marrones y ocres, en la que los elementos representados no se aprecian claramente, son formas huidizas que emergen de la intersección de los rayos. La agrupación de estas líneas, en diferentes áreas de color, nos permite intuir algunos de los elementos del bosque.

En el centro del cuadro, en primer término, destacan los troncos delgados de dos árboles, rodeados por una vegetación frondosa que enmarca el cuadro por tres de sus lados, formando una C invertida. Esta es la parte más oscura del lienzo, pintada a base de rayos verdes, marrones y negros, de tonos muy contrastados. La parte de arriba representa las copas de los árboles, y la de abajo interpretamos que son montones de hojas caídas, algunas todavía verdes y otras ya secas.  

La luz es muy cálida, se filtra a través de vegetación y las copas de los árboles. El punto de vista es bajo, como si estuviésemos viendo el paisaje a ras de suelo, y la obra sugiere una línea de perspectiva que nos invita a adentrarnos en el bosque, avanzando en diagonal de derecha a izquierda.

Tras atravesar la hojarasca del primer término, llegamos a un área más abierta y luminosa, de una tonalidad dorada. Aquí los rayos son más tenues y difusos, pintados en colores ocres y blancos. Si seguimos avanzando, nos encontramos con otra zona oscura en la que la vegetación se cierra en forma de túnel, situada junto al borde izquierdo del lienzo, encima de los montones de hojas.

A la entrada de este túnel vemos una figura vertical de contornos irregulares y color blanquecino, que destaca sobre el marrón del fondo. Hay quien ve en ella una figura humana de perfil mirando hacia arriba, otras personas ven el tronco de un árbol o bien un pequeño roedor de pie.  

El lienzo tiene más detalles ambiguos, como unas figuras de color rosa pálido en las copas de los árboles, formadas por tres triángulos con los picos hacia arriba, que podrían representar los pétalos de una flor. Entre ellas, quizás asome una libélula con sus cuatro alas desplegadas en forma de X.

Es una obra que atrapa, que te hace sentir dentro del bosque, escuchando el aleteo de los pájaros entre las ramas, el crujir de las hojas al pisarlas, el zumbar de los insectos y el correteo de los animales que se esconden en el follaje. Huele a tierra, a hojas en descomposición, y casi podemos sentir en la piel el frescor y la humedad del bosque.

Enlace a la imagen de la obra descrita: https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/goncharova-natalia/bosque